#011 – MILLENIUM: OS HOMENS QUE NÃO AMAVAM AS MULHERES [David Fincher]

MILLENIUM – OS HOMENS QUE NÃO AMAVAM AS MULHERES é o filme de investigação policial que há muito o cinema americano não vê surgir. Baseado na trilogia sueca que virou best-seller (país que já viu os três filmes serem adaptados por lá e apenas o primeiro teve êxito mundial), o filme coloca dois protagonistas de personalidades distintas – o jornalista Mikael Blomkvist e a hacker Lisbeth Salander – em uma busca que envolve um poderoso magnata sueco e uma tradicional família do lugar. O primeiro tem sua vida revirada pela jovem – a garota da tatuagem de dragão do título original – a pedido do anfitrião de uma poderosa família de uma cidade do interior da Suécia, que contrata o jornalista para investigar o sumiço de sua sobrinha, acontecido há 40 anos. Quando o desenrolar da história começa a se tornar mais complicado do que aparenta, Blomkvist traz a perspicaz Lisbeth para auxilia-lo no desfecho dos fatos. O diretor David Fincher trabalha com sua narrativa clássica, criando uma interessante estrutura que junta os protagonistas Daniel Craig e Rooney Mara logo no princípio do filme para depois separa-los (momento em que o filme caminha com as primeiras informações da investigação policial e na explicação sobre o passado de Lisbeth) para depois uni-los novamente. Fincher imprime um fôlego impressionante ao filme nessa terceira parte – que corresponde a cerca de 60% da fita –, colocando o espectador na mesma ciranda de perguntas e respostas que os protagonistas fazem à trama, cheia de pistas suaves e nunca gratuitas ou fáceis que caminham para um final pouco provável; como se não bastasse, dá à sua protagonista feminina a chance de brilhar em uma personagem cheia de nuances cuja complexidade vai muito além do exótico visual que a acompanha. Os únicos dois pontos frágeis dessa primeira parte da trilogia MILLENIUM são justamente o contraponto masculino de Rooney: em praticamente nenhum momento Daniel Craig corresponde à sua colega em cena, com uma atuação bem abaixo do esperado, o que causa certo incômodo principalmente quando o filme separa os dois personagens – a história pessoal de Lisbeth é infinitamente mais interessante que o início da investigação de Blomkvist, o que é um problema para um filme cujo primeiro objetivo é a investigação policial. De qualquer forma, o resultado final é nada menos do que um filmaço obrigatório.

Cotação: ●●●●½○

#010 – TUDO PELO PODER [George Clooney]

A sequência de abertura de TUDO PELO PODER é incrivelmente representativa: discursando em um púlpito, sob os holofotes, o personagem do ator Ryan Gosling usa determinados argumentos para defender sua postura durante uma campanha presidencial. Quando as luzes do palco se apagam a câmera não titubeia em mostrar uma platéia que não existe e um diretor de cena que aparece aos poucos: trata-se de uma encenação. Gosling é apenas o assessor responsável por uma cena que ainda será oficialmente representada, quando o governador vivido por George Clooney – em disputa interna de seu partido para se tornar o candidato oficial à eleição presidencial – pisar, de verdade, no cenário de um debate político.  A grande “farsa” de abertura do filme dá a tônica do que será visto adiante: os bastidores do processo de fazer um candidato à presidência norte-americana. Com todas as falcatruas, passadas de perna, deslizes e escândalos  que permeiam todo o processo – que parece ser invariável, acontece lá como aqui. O também diretor Clooney constrói sua produção com uma classe ímpar: é uma galeria de belos planos, ora despejando elementos simétricos e equilibrados, ora abusando do contraponto de cores e iluminação, quase sempre coroando a presença dos personagens em cena, especialmente a do  vivido por Gosling, como que maculando a imagem do assessor da campanha presidencial. Não é de hoje essa predileção do astro Clooney: os filmes sob sua direção costumam primar pela sobriedade e beleza, aspectos que parecem primordiais para contar as histórias dos arranjos políticos de seu país – como aconteceu com CONFISSÕES DE UMA MENTE PERIGOSA e o impecável BOA NOITE E BOA SORTE. A trama assume uma postura corajosa ao mostrar que na política não há redenção, ou você vai se juntar ao jogo sujo ou vai cair fora enquanto há tempo, e a transformação do personagem principal, o assessor obstinado pelo sucesso, encerra o filme em outra sequência grandiosa, onde deixa de ser a marionete do início para firmar-se como o meticuloso dono das decisões que rondam o verniz de um presidente, fechando o interessante ciclo apresentado por Clooney para sua obra.

Cotação: ●●●●○

#009 – OS DESCENDENTES [Alexander Payne]

Alexander Payne tem um jeito muito peculiar de fazer cinema. E um jeito muito americano. Desde sua estreia, em ELEIÇÃO, basicamente seus filmes colocam um personagem central em momento de descobertas pessoais: em AS CONFISSÕES DE SCHMIDT a jornada de um sessentão em reencontro com a filha, após viagem pelo interior dos EUA; com SIDEWAYS o olhar se mantém, mas os laços são as amizades e o cenário também muda – as vinícolas da Califórnia. Agora, em OS DESCENDENTES, a estrutura se repete. George Clooney vive de modo incrível um personagem com profundo distanciamento de sua própria vida pessoal, que após sofrer um abalo, “aprende a viver”. Vida de gente de verdade, dessa vez lá nas paisagens inspiradoras do Havaí. A grande questão é que ao construir a história de redescobertas do personagem de Clooney, Payne não comete o crime do moralismo e tenta a todo custo transpor o incômodo da vida de seu protagonista para a tela, conseguindo com grande eficiência – OS DESCENDENTES tem uma natureza própria e bastante desconfortável (confesso que fiquei extremamente incomodado durante quase toda a projeção), ainda que imprimindo uma trajetória bastante comum aos demais personagens e situações na maior parte do tempo. A construção de Payne equilibra certa dose de humor ao drama, humor este que também é muito peculiar, tipicamente americano e muito próprio da linguagem de Payne – que se assemelha ao que Cameron Crowe faz em suas obras, mas sem o olhar adocicado deste último. Outro ponto da filmografia de Payne é seu domínio de elenco: além da já laureada interpretação do astro Clooney, a coadjuvante Shailene Woodley conduz com impressionante sobriedade uma adolescente rebelde que poderia facilmente cair no lugar-comum. Todas essas particularidades do diretor já o credenciam a um status onde poucos profissionais do cinema chegam, a do cinema autoral – mesmo sem ainda ter um filme irretocável em seu currículo.

Cotação: ●●●●○

#008 – AS PRAIAS DE AGNÈS [Agnès Varda]

‎”Desta vez, para falar de mim, pensei: se abríssemos as pessoas, encontraríamos paisagens. Mas se me abrissem a mim, encontrariam praias.” A frase de abertura de AS PRAIAS DE AGNÈS, saída da boca da própria protagonista e diretora, Agnès Varda, foi um abrir de portas para esse que vos fala. A praia, a areia e o mar sempre foi algo presente e de profunda admiração para mim. E entrar em contato com as praias pessoais de Agnès foi se voltar às praias da minha vida, especialmente uma, da minha infância e juventude, que se tornou o registro de alguns dos melhores dias que vivi, e que até hoje posso fechar os olhos e imagina-la em suas minúcias – e o simples fato de cruzar as ruas e avenidas próximas a ela, mesmo sem vê-la, me causa profunda emoção, daquelas que deixam a gente arrepiado por minutos. Se me abrissem ao meio, certamente veriam praias. E essa afirmação da cineasta francesa revela com uma sobriedade e delicadeza tudo que se encontra nesse excepcional documentário. O filme remonta, a partir da predileção de Agnès pela paisagem que une areia e mar (algo muito presente desde sua infância, apesar dela acreditar que a infância não foi algo tão determinante em sua vida adulta), alguns momentos de sua vida: registros familiares, seu relacionamento com o cineasta Jacques Demy, alguns de seus feitos no cinema, suas amizades, suas viagens, sua filosofia de vida. Sem uma ordem pré-estabelecida, como se jogado à brisa do mar e pousado sobre a tela, seus momentos são apresentados com leve descontração e graciosidade pela protagonista, que entra em cena sempre que possível, interferindo em sua própria apresentação. Agnès, também excepcional artista plástica, faz de seu filme quase uma instalação para ser exposta em um museu, mesclando cenas atuais, registros de arquivo e sequencias de encenação de fatos do passado. Tudo funciona como o “abrir a tampa” do baú pessoal e começar a retirar os objetos que primeiro vem à mão, para então contar a história de cada um deles – responsáveis por nossa formação, por aquilo que temos de mais genuíno. Obra perspicaz e de uma simplicidade espantosa ao mesmo tempo em que propõe uma ligação altíssima com o espectador, mesmo este desconhecendo boa parte da filmografia de Agnès – meu caso, por exemplo.

Cotação: ●●●●½○

#007 – ATIVIDADE PARANORMAL 3 [Henry Joost e Ariel Schulman]

ATIVIDADE PARANORMAL 3 é um daqueles típicos filmes que você vê, espera, espera e não acontece nada. É uma grande enganação – não que o cinema não seja, mas o pacto filme-espectador aqui é rompido pela primeira parte. Não dá pra comprar absolutamente nada do que acontece. E para um filme de suspense, isso é um problema ainda maior. A fórmula, que tinha um princípio básico bem explorado no primeiro filme, ainda está presente na trama mas já não funciona. É aquela ideia de que 100% do fotograma é passível de alguma ação, quase sempre mínima, deixando o espectador ligado nos menores detalhes do plano. Imagem e som se juntam pra criar a tensão que se reverte num estado de consciência plena e atenção máxima. Mas nada disso funciona nessa terceira parte da série. A história se volta às personagens do filme original e da sequência, mantendo a mesma estrutura do primeiro e segundo filme, funcionando como um prequel dos acontecimentos das duas primeiras partes. Agora, em um flashback injustificado e forjado através das famosas fitas de VHS filmadas por alguém, encontradas em um depósito e colocadas à nossa visão, descobrimos a infância das irmãs Kristie e Katie e de onde pode ter surgido toda a motivação para os acontecimentos paranormais que perturbaram a vida das duas jovens, como foi mostrado nos filmes anteriores. É outra ideia que muito mal aproveitada, e poderia resultar em uma trama mais interessante, como a narrativa que vai retrocedendo de uma película a outra. Forçado, insosso e, principalmente, covarde com seus próprios propósitos.

Cotação: ●○○○○

#006 – CAVALO DE GUERRA [Steven Spielberg]

Ausente dos “filmes sérios” desde 2005, quando dirigiu MUNIQUE, Steven Spielberg teve um ano e tanto: enquanto parecia se divertir à beça com a animação AS AVENTURAS DE TINTIM, produziu e dirigiu esse drama baseado em obra literária homônima. E não é de estranhar que “um filme sobre cavalos” tenha parado nas mãos do maior nome do cinema americano. Acostumado a dirigir extra-terrestres, dinossauros, tubarões e outros bichos aparentemente não-domesticáveis, a trajetória de um cavalo britânico que abandona o lar para lutar ao lado dos soldados da Rainha durante a Primeira Guerra é um prato cheio daquilo que Spielberg sabe fazer como ninguém: emocionar. A história é a personificação daquilo que Spielberg faz em praticamente todas suas produções: colocar o núcleo familiar como base para qualquer outro acontecimento na ação do filme. Joey, o cavalo, tem sua saga contada desde o nascimento e tal evento, apoteótico para a vida de qualquer humano, é a escolha do diretor para abrir de forma mágica a produção. E como não poderia deixar de ser, as emoções humanas tomam conta da tela desde então, numa escolha acertadíssima do diretor. Há pelo menos três arcos narrativos na produção, que vão desde o encontro do cavalo com seu dono, o jovem Albie (Jeremy Irvine), passando pela ida do cavalo para a guerra e o reencontro dos dois no terço final. E à exceção das cenas de muita ação em campo de batalha, onde o vigor racional da guerra não abre espaço à doses de emoção, todas as demais são impregnadas de sentimentalismo, dosadas de modo impressionante pelo diretor – sem maniqueísmo ou exacerbação, mas que fazem as lágrimas escorrer desde o princípio. Há pelo menos uma sequência genial – que acontece no meio de uma batalha durante a Primeira Guerra, tecnicamente impecável e simbolicamente magistral (que não dá pra revelar pra não perder a graça do impacto de vê-la acontecer) – e outras tantas grandiosas que trazem o bom e velho Spielberg de volta ao foco da temporada de premiações. CAVALO DE GUERRA escorrega somente no idioma: fica difícil ser convincente quando franceses e alemães falam inglês (com sotaque) como se fosse sua língua natal. O filme concorre ao Globo de Ouro de Melhor Filme na categoria dramática e não deve ficar de fora do Oscar desse ano, onde deve alcançar algumas outras indicações para o excepcional trabalho de toda a equipe técnica, em especial à fotografia de Janusz Kamisnki e a trilha sonora de John Williams.

Cotação: ●●●●○

#005 – TRIÂNGULO AMOROSO [Tom Tykwer]

Curiosa a abordagem que o diretor alemão Tom Tykwer imprime em seu mais recente filme, TRIANGULO AMOROSO. O diretor por trás do frenesi pop que é CORRA, LOLA, CORRA, segura a onda (sem perder suas particulares – a cena inicial com os muitos quadros em um plano único é uma delícia de abertura) e mostra maturidade ao conduzir a densa história de um triângulo amoroso levado aos extremos, em que ambas as partes de um casal heterossexual se envolve separadamente com um homem – aqui não há João que ama Maria que ama José, todos se amam ao mesmo tempo. Tykwer faz uma proposição incrivelmente sóbria sobre a relação moderninha, sem apontar o dedo na ferida ou propor caminhos que normalmente fazem parte da discussão, principalmente ao “perder tempo” para  estruturar a vida de seus personagens, antes de cair na tentação em si (o que certamente vai desapontar os mais interessantes em ver os acontecimentos que percorrem o imaginário quando se lê o nome do filme). Simon, Hanna e Adam são pessoas comuns que vivem o dia-a-dia cheio de problemas e preocupações em suas vidas pessoais, profissionais e afetivas, mas o diretor não faz disso uma simples motivação para a relação frívola, como uma simples fuga do cotidiano. Ele apresenta uma narrativa cheia de armadilhas para o espectador – que recebe uma longa apresentação dos personagens - e também para seus protagonistas,  que após se deparar com o inusitado de cair de paraquedas numa relação cíclica, descobrem um amor panoramizado e possível após os 40 anos, descobrindo novas verdades para suas vidas. Destaque para a atuação da protagonista, Sophie Rois, indicada ao German Awards de melhor atriz no último ano.

Cotação: ●●●○○

#004 – FILHOS DE DEUS [Kareem Mortimer]

O grande temor de encarar certos filmes endereçados a um tipo de público muito específico é perceber que ele se prende a certos estereótipos e determinadas ações, se tornando panfletário ao extremo – por que, de certa forma, panfletários todos os filmes são. FILHOS DE DEUS (ou Amantes do Caribe, título pouco reflexivo sobre a história), ao contrário, propõe um olhar interessantíssimo sobre a vida dos homossexuais nas Bahamas. São três núcleos de ação, com personagens bem delimitados (e, infelizmente, por vezes caricatos – mas tudo perdoável), em histórias que caminham juntas, sem conferir ao dorso narrativo a tradicional fragmentação de um filme com histórias paralelas que se encontram em determinado ponto. O roteiro percorre fatos que relatam a crescente homofobia e a intolerância endossadas pela religião nas ilhas do Caribe através de três personagens: um jovem branco em fase de aceitação de sua condição sexual; um negro consciente do que é, mas em luta para esconder isso de sua família e da sociedade local; e uma mãe de família ultra-religiosa que luta a favor de punições para os homossexuais enquanto esbarra com o “problema” dentro de sua própria casa. FILHOS DE DEUS traz uma crítica social pungente e faz pensar a respeito da intolerância que os religiosos mais ortodoxos criam e parecem fazer sua plataforma de vida, em contraponto à fé, amor e caridade que qualquer religião tem como base. É um contrassenso fabuloso do ponto de vista da argumentação, que o filme explora com alguma exatidão, junto do belíssimo cenário que inspira de forma bastante sensual a relação entre todas as personagens – inclusive os heterossexuais.

Cotação: ●●●○○